So oder so – Hildegard Knef

4. Dezember 2022

Lausitzer Rundschau, 20.11.2022

Viel Beifall für bewegende Vorstellung. Die Neue Bühne Senftenberg eröffnet den Spielbetrieb in ihrer neuen Bar mit einem schillernden Hildegard-Knef-Abend: Broadway-Atmosphäre verbreitet sich am Freitagabend an der Neuen Bühne Senftenberg. (…) Nach der Biografie von Gilla Cremer hat Birgit Eckenweber „So oder so – Hildegard Knef“ inszeniert. Eine bewegende Vorstellung. (…)

Marianne Helene Jordan, am Klavier sensibel begleitet von Saessak Shin, gehört an diesem Soloabend die Bühne.  Die Senftenberger Schauspielerin verleiht der Knef in all ihrem Glamour, aber auch in ihrer Verletzlichkeit und Melancholie, in ihrem Weltschmerz und trotzigem Optimismus Gestalt und Stimme. „Ich habe nicht gelernt zu leben, nur zu überleben“, so erzählt sie. Sie spielt und singt, zeigt sie als Star und Skandaleuse, Illusionslose und Illusionistin, die ihren großen Auftritt genießt in der Lausitz. Mit Berliner Schnoddrigkeit, rauchiger Stimme, Klugheit, Selbstironie und viel Gefühl. Lakonisch vorgetragene Chansons erzählen von Höhen und Tiefen, Angst und Einsamkeit, Ausreißversuchen über den großen Teich und Sehnsucht nach ihrer Stadt Berlin, wo sie aufwuchs und immer wieder zurückkehrte, auch wenn sie in Ulm geboren wurde. (…) Und natürlich soll’s an diesem Abend auch rote Rosen regnen. Eine zerpflückt die Enttäuschte, die „nicht allein sein, doch frei sein“ wollte, zornig nach dem Ende ihrer dritten Ehe. Musikalisch aber begleitet dieses Chanson den ganzen Abend. Am Ende gibt es viel Beifall für die Macherinnen, die immer wieder auf die Bühne gerufen werden.

Hänsel und Gretel, Oper Leipzig

31. Juli 2022

Carmen Deisinger, Theatermalerin im Spielzeitheft der Oper Leipzig 2022/2023

Ich erinnere mich gerne an das bunte detailreiche, glitzernde Bühnenbild und daran, wie in der Nacht aus dem Wald eine Unterwasserwelt wird – einfach märchenhaft.

Was das Nashorn sah, als es auf die andere Seite des Zauns schaute

12. November 2021

Neue Presse Coburg, 21.10.2021

Beklemmend und beeindruckend: Mitlaufen oder mutig sein? Es geht um den Zoo, der tatsächlich im Konzentrationslager Buchenwald von den Nazis zur Belustigung der SS-Angehörigen und deren Familien errichtet wurde. Hinsehen oder wegsehen? Verhalte ich mich wie der Bär, der nachfragt, wissen möchte, was da vor sich geht, warum es keine Vögel mehr gibt und was da so entsetzlich riecht. Oder bin ich wie der Pavian, der seine Ruhe möchte, bloß nicht auffallen, nicht unbequem werden oder sich Gedanken machen.

Aufgelockert wird die beklemmend wirkende Szenerie durch witzige Tanzeinlagen und ab und an einen Farbtupfer auf der mystisch-dunklen Bühne. Das Murmeltiermädchen lutscht vergnügt einen überdimensionalen weiß-roten Lolli und zu trinken gibt’s auch mal ’ne Cola aus der farbenfrohen Dose.

Ein Stück, das sehr, sehr nachdenklich machte.

Heute Abend: Lola Blau

27. Oktober 2020

Freie Presse, 27.10.2020

Ein Hauch von Hoffnung in der Zeit der Krise. „Heute Abend: Lola Blau“ musste coronabedigt auf die große Bühne wechseln.

Schon 2019 war Kreislers Werk brisant im Hinblick auf die Flüchtlingskrise und den wiederaufkeimenden Antisemitismus. Gleichzeitig hielt er selbstkritisch dem Theaterbetrieb den Spiegel vor. Seit neun Monaten dominiert eine andere Krise den Alltag. Es ist unterhaltsam, voll bissigem Humor und Melancholie, strahlt aber auch Lebensmut und Widerständigkeit aus. Tosender Applaus.

Gaetano Donizetti, L’elisir d’amore

29. Januar 2020

Freie Presse, 20.1.2020

Bauer sucht Dame – und nur die Liebe zählt

Die Oper als turbulent-minimalistisches Spektakel inszeniert: Unter der Regie von Birgit Eckenweber wird der eher banale Stoff zum spannungsgeladenen Schnelldurchlauf der Ereignisse. Die Akteure erinnern an Puppen, die sich auf einer routierenden Bühnenwelt entsprechend bewegen. (…) Am Ende stehen Adina und Nemorino mit ihren Schachfiguren Dame und Bauer als Liebespaar im Kreis, was bedeuten könnte, dass bei großen Gefühlen die soziale Herkunft nicht von Bedeutung ist. Die Künstler vollbrachten am Premiere-Abend großartige Leistungen, die Musik spritzig und mitreißend. Das Theater wagt mit dieser modernen Inszenierung etwas, und es wird belohnt – mit lang anhaltendem Applaus.

Gaetano Donizetti, L’elisir d’amore

29. Januar 2020
 
Frank Piontek, deropernfreund.de, abgerufen am 22.1.2020
 
Wer gerade in Annaberg die Sonderausstellung „Volkskunst trifft Volksfest“ besucht, bekommt ein paar Modelle zu sehen, die ihn stark an ein zentrales Bühnenelement erinnern, das Kristina Böcher auf die„Liebestrank“-Bühne gebaut hat. Sie finden sich auch in der „Manufaktur der Träume“, dieser reichen, zum Staunen anregenden Wundersammlung von Figuren, Puppen und Modellen für ein großes und kleines Publikum. Was wir also sehen, ist eine schräge Scheibe, die im zweiten Akt ihre wahre Bedeutung enthüllt. Nun nämlich dient sie als karusselartige Plattform, auf der sich die verschiedensten Symbole befinden: einHolzpferd (für den hölzernen Belcore), ein Riesenglas mit Alkohol und Herzchen (es steht für den Wunderdoktor Dulcamara), zwei große Schachbrettfiguren: ein Bauer und eine Dame (keine Frage, wem sie gehören).
 
Bild 1
Die Liebe sei ein seltsames Spiel, sagt man. Nein, die Handlung des „Liebestranks“ spielt in der überaus gelungenen Inszenierung von Birgit Eckenweber nicht in einer Traumfabrik, sondern auf einer drehbaren Symbolbühne, auf der die Figuren sich einmal wie auf einem Schachbrett bewegen. Das Programmheft zitiert Paul Watzlawick, der mit der „Anleitung zum Unglücklichsein“ eine beeindruckende Kommunikationsstudie schrieb. Watzlawick zitierte damals den Psychologen Alan Watts, wonach das Leben ein Spiel sei, dessen erste Spielregel laute, dass das Spiel kein Spiel, sondern todernst sei. Und so begegnen uns Nemorino und Adina, Belcore und Dulcamara auf einer Bühne, auf der der sinnigerweise zitierte Tristan-Akkord seinen guten Platz hat: denn hier geht es wahrlich ums sog. Eingemachte. Adina also schaut –anders, als Nemorino es wahrhaben will – durchaus interessiert auf den jungen Mann, als sie so tut, als lese sie die Geschichte von Tristan und Isolde; ertappt, dreht sie geschwind das umgekehrt gehaltene Buch um (das sind so Details einer genauen Regie). Am Ende wird sie sich selbst überwinden, indem sie ihre Kruste durchbricht, mit der sie sich immer vor der Liebe schützen zu müssen glaubte. Das Wunder der Verwandlung (wie Hofmannsthal das genannt hätte) geht freilich unter Schmerzen vor sich; ergreifender Höhepunkt dieser zunächst als „farsa“ angelegten Dorfkomödie ist die Umarmung, mit der sich Adina schließlich zu Nemorino bekennt. Wer hören konnte, hat es vorher schon gewusst, denn hinter der scheinbar kapriziösen Adina verbarg sich schon immer eine tief empfindende Frau, die den Belcore – was für ein Name für diesen brutalen Don Juan des Krieges! – hasst, weil dieser nichts anderes kann als mit der Waffe in der Hand auf Einschüchterung und Überrumpelung zu setzen. Allein er schafft es nicht, Adina wirklich davon zu überzeugen, dass er, der Großsprecher, der Richtige für sie sei. Sie spielt lieber die Eva, die ihrem Adam namens Nemorino seinen angebissenen Apfel bewusst zurückgibt. Und fast würden sie sich schon sogleich küssen – würde nicht Belcore die Szene stören.
 
Bild 2
Nichts in Text und Musik spricht gegen diese Deutung der beiden jungen Leute – und weit entfernt ist die (mögliche) Vermutung, dass Adina am Anfang dieser Geschichte beziehungsgestört sei, weil sie es (angeblich) liebt, von Mann zu Mann zu hüpfen. Stimmt nicht: Donizettis Musik behauptet, bei allen buffonesken Tönen, die auch Adina gehören, das Gegenteil. Es ist nur eine Kunst, Adina von Anfang an als jene Frau zu zeigen, als die sie am Ende – wie gesagt: unter den Schmerzen der Verwandlung – erscheint. Hier ist es Madelaine Vogt, die die Pächterin mit ihrem hohen Soubretten-Sopran und körperlichem Einsatz munter zeichnet, wobei sie leider nur die hohen Töne regelmäßig von unten anschleift. Was für sie spricht, sind ihr heller Ton und ihr unbedingtes Spiel, mit der sie aus der Figur, die leicht zum Klischee einer„typischen“ Widerspenstigen werden könnte (wären da nicht ihre frühen zarten Töne gegen den noch nicht bekannten Geliebten und das 1. Finale), bei allem Symbolismus dieser Inszenierung einen wirklichen Menschen macht.
 
Bild 3
Und Dulcamara? Er ist in dieser hintergründigen, dabei „nur“ die Charaktere genau auslotenden Inszenierung so etwas wie ein gefallener Engel und lustiger Doktor Diabolus, der stets das Böse will und doch das Gute schafft, zwischendurch auch einige seiner schwarzen Federn verliert, wenn er nicht gerade seinen Rollkoffer öffnet, in dem sich nichts weiter verbirgt als ein Kühlschrank mit seinen grünen Flaschen. Kein Wunder, dass schon seine Schuhe – glitzernde Sneakers mit einer Leuchtsohle – golden glänzen… László Varga macht das zum gesteigerten Vergnügen des Publikums.
 
Bild 4
Mit dem Nemorino des Jason Lee hat die Inszenierung einen lyrischen Tenor zur Verfügung, der dem leidenden wie übermütigen naiven und sympathischen jungen Mann eine schön timbrierte Stimme und schlanke Statur gibt. „Una furtiva lagrima“, die Romanze, die hier als einziges Stück in Italienisch, wird zur empfindsamen Gefühlsäußerung: im Angesicht der (Schach-)Dame. Neben ihm steht mit Jason-Nandor Tomory ein vokal vergleichsweise grobkörniger Sergeant, der es eher liebt, die „Liebe“ mit Gewalt zu erzwingen als durch Zartheit zu glänzen. Beifall auch für die Wurzen der Gianetta (Bridgette Brothers, auch sie mit Tracht und ruralen Gummistiefeln ausgerüstet, macht das durchaus nicht wurzenhaft) – und für den Chor des Eduard-von-Winterstein-Theaters, der auch diesmal durch Mitglieder der Freien Chorvereinigung Coruso und einem Extrachor verstärkt wurde. Und spielen können sie auch: wunderbar, wie sie den Quacksalber als äußerst energetische Gruppe umringen (Her mit dem Wundermittel!); die Regie schafft es sowieso immer wieder, optisch interessante Gruppen zu bilden. Und stehen sie einmal, wie im ersten Finale, an der Rampe, hat es seinen guten Sinn: weil der emotionale Siedepunkt des ersten Akts, indem die Musik plötzlich wie bester Verdi klingt, auch dann gespielt werden kann, wenn die aufgereihten Solisten wissen, was sie da warum singen. Die Musik ist an dieser Stelle klüger als der Text, in dem es angeblich um Adinas Plan geht, Nemorino zu besiegen. In Wahrheit geht es bei Adina (unterschwellig??) darum, den Hass auf den schrecklichen Belcore, nicht den Heiratsplan gegen Nemorino in Worte zu bringen;  allein man muss es hören und „nur“ danach inszenieren. Völlig unabhängig davon, was sich die Librettisten 1832 unter weiblicher Verschlagenheit vorstellten, denn der Ton macht die Musik, nicht das Wort.
 
Bild 5
Das Haus ist klein, nicht mehr als 320 Plätze können hier besetzt werden, aber im Orchestergraben haben an diesem Abend 35 Musiker der Erzgebirgischen Philharmonie Aue relativ viel Platz. Unter dem GMD Naoshi Takahashi spielen sie einen mal robusten (Donizetti liebte die Tutti-Effekte) wie subtilen Klang heraus. Es ist im Übrigen ein kleines Wunder, dass eine Belcanto-Oper wie Donizettis „Liebestrank“ an diesem kleinen Haus – nur mit Chorgästen ergänzt – mit lediglich acht festangestellten Solisten auf einem guten musikalischen Niveau aufgeführt werden kann. Ebenso erstaunlich ist die Tatsache, dass hier mit Birgit Eckenweber zum wiederholten Mal eine Regisseurin am Regiepult steht, die die großen Werke – unvergesslich ihre psychologisch ungewöhnlich überzeugende „Così“ und ihre poetische „Boheme“- in der sog. Provinz ohne Mätzchen, aber mit interpretatorischen Verstand und poetischer Freiheit als psychologisches und zugleich spielerisches Theater auf die Bühne zu bringen vermag. So gesehen, sind schon die fünf Luftballons, die über der Bühne schweben, beides zugleich: eine poetische Metapher und die Andeutung eines Spielraums. Starker Beifall für Sänger, Musiker und die „Schwarzen“: zurecht, denn wieder einmal hat das „kleine“ Theater in Annaberg-Buchholz gutes, spielfreudiges und erstaunlich intelligentes Musiktheater gezeigt, das den Opernfreund keinesfalls unterfordert, nachhaltig anregt – und vielleicht beim Besuch des nunmehr genau 500 Jahre alten Annaberger Volksfests namens „Kät“ über das Spiel des Lebens nachdenken lässt.

Der Grüffelo

18. Januar 2019

https://deropernfreund.de/berlin-sonstige-6.html, abgerufen am 18.1.2019

Im Konzerthaus am Gendarmenmarkt hatte die Kinderoper ihre erfolgreiche Premiere.

Die Regisseurin Birgit Eckenweber hat dem 28 Minuten langen Opus einen 7 Minuten langen Prolog vorangestellt, in dem die Figuren und ihre musikalischen Begleiter vorgestellt werden. (…) „Seht die Instrumente blitzen / die vor der Opernbühne sitzen“, und schon geht der Spaß los. (…)
Was lernen wir großen und kleinen Kinder aus der Geschichte? Dass die Fantasie eine starke Macht ist und hat. Die Moral kommt indes nicht mit dem Zeigefinger, sondern mit dem bildstarken Spiel daher. Wir schauen auf den herbstlichen Grüffelowald, wie ihn Axel Scheffler erfunden hat, bevor die rückseitige Videoprojektion zu leben beginnt und der Grüffelo durch die Bäume läuft. Birgit Eckenweber hat mit großem Interesse am gestischen Detail liebevoll Regie geführt und auch, ausgehend von den bildlichen Vorlagen des Bilderbuchs das Ausstattungskonzept entworfen; die reizenden Kostümideen, die die Figuren zwischen Menschengestalt und Tiercharakter genügend andeuten, also Mausohr, Fuchsfell, Schlangenhaut und Grüffeloleder, wurden von Sabine Lindner ausgesprochen ästhetisch realisiert. „Was ist, was ist das für ein Tier?“, fragen die Fressfeinde der Maus. Dieses Tier ist eine ganz charmante Schöpfung. Julia Donaldson und Axel Scheffler, die die Premiere besuchten, waren jedenfalls so zufrieden wie die Besucher, die den Protagonisten und Machern der Kinderopernuraufführung lange Applaus spendierten.

Der Grüffelo

15. Januar 2019

Berliner Zeitung, 14.1.2019

Birgit Eckenweber führte humorvoll Regie.

Der Grüffelo

15. Januar 2019

Berliner Morgenpost, 14.1.2019

Die Neugier geschulter Ohren gewinnt Iván Fischers Oper als Stilcollage. Sie benutzt präexistente Musik genauso, wie es das Bühnenbild der Regisseurin Birgit Eckenweber tut: Die Rückwand der Bühne zeigt die Waldszenerie aus dem Bilderbuch der – bei der Uraufführung anwesenden – „Grüffelo“-Autoren Julia Donaldson und Axel Scheffler. Packend und musikdramatisch treffend platziert wirkt vor allem der Tango. Er musikalisiert die dunkle Angstfantasie vom noch nicht anwesenden Grüffelo, die Maus tanzt selbstbewusst mit der Eule. Der aus dieser Fantasie entstehende Grüffelo wird in seiner Locken-und-Leder-Optik von einer Heavy-Metal-Gitarre begleitet. Übertrieben? Klischeehaft? Es ist die adäquate Übertragung des Buchmonsters auf eine Opernbühne, und zwar genuin aus der Musik heraus und ohne Materialschlacht. Als erste Heranführung an Oper als traditionelles Genre ist das gelungen.

Der Grüffelo

15. Januar 2019

Tagesspiegel, 14.1.2019

Alessia Schumacher (Sopran) und Lukas Eder (Bariton) führen durch die Handlung und erschaffen zugleich mit Pinsel und Palette die visuelle Ebene. Denn alles hier ist Ausgeburt gestalterischer Fantasie.